EL PARAÍSO PERDIDO

DE LA MÚSICA CUBANA 

la música cubana fue una de las primeras del mundo en ser grabadas.

El 10 de octubre de 1922, a las dieciséis horas, se inauguró la radio en Cuba, con

la primera emisión de la pwk, y a sólo dos años de la primera transmisión mundial.

Desde ese momento, la música cubana ocupó un lugar privilegiado en el

mundo.

La radio ejerció también una positiva influencia social porque, a diferencia

de conciertos y otros espectáculos con participación de público, no se veía

a los artistas y, por primera vez, negros y blancos compartieron espacios estelares sin excesivas distinciones, lo cual benefició a cantantes negros de la talla de Barbarito Diez o Celia Cruz quien, paradójicamente, se estrena en 1010, la emisora del Partido Socialista Popular (comunista).

En 1944, el ingeniero Ramón Sabat adquiere en Estados Unidos maquinaria

para una fábrica de discos, de modo que al año siguiente se imprime la

primera placa de 78 made in Cuba.

La primera grabación cubana que apareció fue «Cucha el eco del tambó», por una cara, y «Toda una vida», por la otra.

 Las primeras grabaciones comerciales que se conocen
datan de 1898 y son de Rosalía Chalía Herrera, soprano
radicada en Estados Unidos y que, además de arias de óperas
y zarzuelas, grabó «Habanera tú», de Eduardo Sánchez
de Fuentes, con lo que esta canción se convierte en la primera
obra registrada de autor e intérprete cubano.

A partir de ese momento, se inicia un proceso, en constante e
ininterrumpido crecimiento, de grabación de nuestra
música, sobre todo, por las disqueras norteamericanas Victor
y Columbia Records.

 Para los peloteros,vemos sus récords para evaluarlos: promedios de bateo, juegos ganados y perdidos, etc. Para cantantes y músicos, tambien los podemos evaluar por sus "records" (discos); cuantos hicieron, donde y cuando, etc. Casi toda mi vida he estado coleccionando grabaciones e información sobre los músicos y organizándola: me ha ayudado a comprenderlos mejor y su contribución a nuestra cultura. He aprendido a admirarlos. Ahora usted tiene acceso y compartir una gran parte de esa información, a través de este portal. Sea nuestro huesped!

Cristóbal Díaz-Ayala

 

LA MÚSICA DE PROTESTA

Hay una deuda muy grande en la canción protesta. Ahora se habla de lo social desde el punto de vista de las relaciones amorosas. Las canciones están centradas en los sentimientos'. 

hoy en día no se podría repetir una generación de cantautores como la de antaño, ya que tanto el lenguaje como el contexto han cambiado. 'Antes había un interés en aglutinar la voz del pueblo.

La canción como arma de protesta

Con su denuncia de los linchamientos a los negros en la Norteamérica de 1939, Strange Fruit es considerada como la primera canción protesta de la historia de la música popular en 33 revoluciones por minuto.

De esa tensa colisión, generada entre el mundo del espectáculo y los acontecimientos políticos, sociales y culturales del último siglo, se nutre este concienzudo repaso que se centra en canciones desde Strange Fruit hasta American Idiot de Green Day, la composición que le sirve de pretexto a Lynskey para analizar cómo era Estados Unidos en plena psicosis contra el terrorismo en la era de George W. Bush y observar qué papel desempeñaron distintos músicos en ese tiempo.

En América Latina, mientras tanto, varios artistas ya incluían mensajes políticos y sociales en sus canciones. Además de Víctor Jara –perseguido y asesinado en 1973 por el golpe militar de Augusto Pinochet–, la chilena Violeta Parra, los argentinos Mercedes Sosa, Atahualpa Yupanqui y Facundo Cabral, e incluso los colombianos Ana y Jaime o Pablus Gallinazus se inspiraron en la desigualdad social, el surgimiento de movimientos guerrilleros y las dictaduras en algunos países del Cono Sur para componer sus letras.

lamentablemente el folclore y la trova, esos géneros emblemáticos de la protesta social latinoamericana, ya no son del gusto de la inmensa minoría de izquierda. La mayoría lo que escucha ahora es rock, pop y, sobre todo, reggaeton.

Un caso emblemático ha sido el de Rubén Blades, El género musical popular “salsa“, nacido en Nueva York, muy rico en ritmos caribeños acentuados y síncopados, ha sido un medio idóneo, popularmente hablando, para llevar a las masas esa crítica necesaria en lo político y en lo social, por una parte para no dejarse arrebatar la identidad y la sonrisa; y, por la otra, para mostrar cómo las políticas imperialistas han afectado no solo la economía, sino la moral de nuestros pueblos.

Mediante años de carrera, el músico y compositor panameño, Rubén Blades, se ha dedicado a una vida entera de canciones (de salsa) las cuales hacen sinónimo de problemas sociales, desgracias familiares y política; todas (o su gran mayoría) enfocadas al territorio latinoamericano.

ASÍ ES LA HISTORIA DE LA PERFECTA II

A comienzos del año 2002, el joven trombonista Doug Beavers le presentó a un veteranísimo y premiadísimo Eddie Palmieri la transcripción de todas las partituras de los discos de La Perfecta, la banda estelar que había cambiado la forma de hacer música latina en Nueva York a comienzos de los años 60 del Siglo XX, y que sería capital para el surgimiento posterior de la salsa.

Eddie Palmieri y Barry Rogers se habían conocido en 1960 es el Triton Club, un salón de baile ubicado en la segunda planta de un local del Southern Boulevard, en el Bronx. 

El proyecto de crear una banda nueva nació en un encuentro fortuito y ambos estaban de acuerdo en el repertorio, pero había una discrepancia en el formato, discrepancia proveniente de sus orígenes. Palmieri optaba por cuatro trompetas en la sección de vientos estilo Tito Rodríguez, y Rogers por un trombón y un saxo estilo Hugo Dickens. 

Rogers sabía quien era Palmieri, pero Palmieri no sabía quien era Rogers hasta que lo vio tocar el trombón en una de las jam session que Pacheco organizaba, después de que el Triton acababa de servir copas.

Y así, 40 años, 33 discos después de su nacimiento y con algunos de sus protagonistas ya fallecidos, la grabación del álbum La Perfecta II se hizo con el sello Concord, al que siguió Ritmo Caliente y donde se rehicieron las canciones: El Molestoso, Tirándote Flores, Cuídate Compay, Tu Tu Ta Tá, Ay Que Rico, Lázaro y su Micrófono, Ritmo Caliente, Sujétate la Lengua y Lo Que Traigo es Sabroso.

 “Hasta ese momento, yo creía que tocar de nuevo los temas de La Perfecta era una blasfemia”, confesaría luego Eddie Palmieri, para luego anotar en el texto del CD: “Luego de un concierto especial de tres noches en el Birdland de Nueva York, me di cuanta de que La Perfecta II era el mayor tributo posible a mi colaboración creativa con Barry. Durante los conciertos del Birdland sentí como si Barry, mi compañero musical, con quien compartí unas transferencias de pensamientos creativos únicos y espirituales, hubiera vuelto a la vida”.

 El joven Beavers, que conoció a Palmieri gracias a su maestro Conrad Herwig, le mostró un total 61 transcripciones de canciones correspondientes a siete álbumes. Palmieri, por supuesto, se entusiasmó, siendo esa la piedra de toque definitiva para el nacimiento de un proyecto que venía rumiando desde hacía tiempo: La Perfecta II.

Cuenta Barry Rogers que la verdadera evolución del formato de La Perfecta fue: primero, un trombón; luego, trombón y flauta; y finalmente, dos trombones y flauta. Pero aunque la elección fue por una cuestión de fuerza (dos trombones pesan más que una flauta, aunque se equilibra el sonido), la confirmación de que estaban en el camino correcto se dio cuando Al Santiago, dueño de Alegre Records, decidió grabar un disco con el sonero y cantante popular puertorriqueño Mon Rivera.

EDDIE PALMIERI dijo en su momento que está seguro que con él se morirá un mundo. “La única orquesta que viene echando candela es la mía”. No hay tiempo para falsas modestias..“Todos los pioneros están muertos”, dice, y nadie viene detrás.

 Pero antes de la grabación para Mon Rivera y del disco debut de Palmieri, hubo que buscar a los integrantes de La Perfecta, lo que fue bastante rápido y eso que se dieron varios cambios. El más llamativo de ellos, estuvo en el caso del segundo trombón. El hombre escogido por Rogers fue Joao Donato de Oliveira Neto, natural de Río Branco y quien era capaz de interpretar de todo. Había llegado a Estados Unidos para tocar en un casino de Nevada, pero se quedó en Nueva York diez años, hasta 1961, cuando decidió volver a Brasil luego de grabar el álbum debut de La Perfecta, pero antes de que este saliera al mercado.

Abrazos a nuestros hermanos Boricuas - 

La imagen de la bandera boricua pintada de blanco y negro causa un gran impacto. Refleja que Puerto Rico está de luto. Puerto Rico está atravesando por un momento de gran incertidumbre. La bandera nacional es un símbolo de orgullo cultural e identidad, especialmente a la luz de la condición colonial de la isla bajo el gobierno estadounidense. Ahora, con una modificación artística, la bandera también representa el estado de duelo por el que ha estado pasando la isla desde que el gobierno de Estados Unidos impuso una junta de control fiscal federal con poderes sobre la jurisdicción del territorio autónomo.

DISCOGRAFIA

Pete Bonet & Louie Ramírez – The Beautiful People

Pete Bonet & Louie Ramírez – The Beautiful People
El 2 de agosto de 1968, la orquesta de Pete Bonet, compuesta por doce integrantes y dirigida por Louis Ramírez, hizo su debut en el club El Corso. El grupo impactó a los bailadores con composiciones y arreglos originales de Ramírez que hicieron recordar el sonido de Tito Puente. 
Ambos firmaron aquel álbum como Pete & Louie, siendo el segundo que hacían en sociedad. Fue un éxito, pero momentáneo y lo que apuntaba a una orquesta de solidez y prestigio acabó en nada. Sin embargo, no fue culpa de ellos. Su hundimiento se debió a rencillas, celos, venganzas, boicots y censuras que nunca quedaron claras.
Louie Ramírez y Pete Bonet se conocieron siendo jóvenes por ser vecinos del Bronx, se hicieron amigos y se volvieron compadres. Y cuando Bonet salió de la agrupación de Ray Barretto por divergencias con este tras la grabación de Acid, le propuso a Ramírez hacer un conjunto. Pero el vibrafonista sugirió mejor montar una orquesta.

Los primeros trabajos juntos de la orquesta de Pete Bonet y Louie Ramírez se dieron en un establecimiento que para 1968 era el sitio de moda entre los bailadores latinos de Manhattan y alrededores, El Corso, ubicado en el 205 este de la calle 86 entre segunda y tercera avenidas.

El diseño de la carátula de The Beautiful People fue obra de Izzy Sanabria. En esta aparecen los rostros en primer plano de Bonet y Ramírez. Pero fíjense en un detalle: la composición de esos rostros es muy similar a la del famoso poster de la Fania All Stars en el Cheetah. ¿Y saben porqué? Porque iban a hacer parte del mismo. Ellos hacían parte del conjunto de estrellas que dibujó Sanabria, pero que al final fueron descartadas.

LA HISTORIA DEL DISCO BLANCO

TITULO DEL ALBUM:

Nombre original: Eddie Palmieri - ¿Porque Palmieri tituló a esta producción con su nombre? ¿Por qué estaba tan seguro, como caprichoso, que este disco, personal y autonombrado, se convertiría en hito discográfico, tanto que en 2012, tres décadas después, lo autocalifica como “El mejor disco de salsa jamás grabado”? ¿Lo motivó aquel disco de Los Beatles, de caratula blanca y titulado sólo The Beatles?

Sobrenombre: The White Album, en inglés, y/o El álbum blanco, en español. ¿Qué otro álbum salsero goza de sobrenombre?

Cortes: Cinco, sólo cinco. ¿Existirá otro álbum salsero -música cubana, jazz latino o salsa-con un número inferior en temas grabados?
Temas: Páginas de mujer, No me hagas sufrir, Ven ven, El día que me quieras y Ritmo alegre.

El disco se tituló Eddie Palmieri. Era un álbum blanco con un pequeño piano negro pintado en acuarela en la esquina inferior izquierda. Por eso se conoció como “El Disco Blanco de Palmieri”. Cuando salió bajo el sello Bárbaro, licenciado por Fania, fue de inmediato considerado un clásico. Contó alguna vez Francisco Zumaqué que la grabación en La Tierra Sound Studios de Nueva York tardó un montón de horas. Más de 300, algo impensable si el estudio no hubiese pertenecido a Masucci. Palmieri, tan riguroso como siempre, discutió cada compás con Zumaqué y Barry Rogers, en medio de largas tandas de café y caladas de cigarrillo y marihuana.

Francisco Zumaque: Arreglista de tres temas: Páginas de mujer, No me hagas sufrir y Ven ven. Zumaque es compositor y director de banda y orquesta colombiano, egresado de la Universidad Nacional de Colombia, institución que premió su desempeño académico con la beca Mejor alumno de Bellas Artes, posibilitándole continuar estudios avanzados de música en París, donde sería alumno de Nadia Boulanger e Igor Markevich en el Conservatorio Americano, de Michael Philipot en el Conservatorio Nacional y de Pierre Schaeffer y Guy Reibel en el Groupe de Recherche Musicale, sin perder de oído a Olivier Messiaen, el gran compositor de Aviñon, de quién adoptaría sus innovadoras ideas sobre tratamientos y desarrollos de la existencia rítmica. Curiosamente su pasantía por Fania Records, de 1979 a 1981, fue efímera, aunque suficiente para legar su talento, conocimiento y prestigio.

René Hernández: Arreglista de dos obras: El día que me quieras y Ritmo alegre. Nacido en Cuba y fallecido en Puerto Rico. En la información que circula en internet se encuentra una misma fecha, el 5 de septiembre, como de su deceso, pero acontecido en años diferentes: 1977 y/o 1984, entendiéndose de antemano que dos músicos cubanos homónimos compartieron contemporaneidad. Uno de ellos apodado “El Látigo”. Estos son aspectos que complejizan aún más la precisión sobre el disco Eddie Palmieri, fomentando “la leyenda negra del álbum blanco”. En todo caso, Hernández, no el apodado El Látigo, es considerado como uno de los arreglistas de mayor influencia en la historia de la música latina en los Estados Unidos. Se murmura que “el álbum blanco” fue el último trabajo discográfico que contó con sus maravillosos orquestaciones, aduciéndose que luego murió.

Por supuesto, Rogers fue el trombonista en tanto que la trompeta quedó en manos de Víctor Paz . El álbum blanco fue, de todas formas, el último que grabaría Barry Rogers con su amigo. También sería el último de José Rodrigues, aunque este a diferencia de Rogers, acompañaría a Palmieri en giras y conciertos los años siguientes.

LA HISTORIA DE CURRAMBA

Nuestra Barranquilla es una ciudad tropical y por eso es sencilla, desprovista de protocolos y directa sin diplomacia. A ello se debe el gesto desenfadado, el vocabulario vulgar cuando no grosero, la voz alta...por lo que no cabe alarmarse de ciertas actitudes que desentonarían en otras latitudes.

Curramba es un alias que, como todos los apodos, es en cierto modo peyorativo 

hacia 1945 la radio no contaba con tecnología avanzada, por tal razón era auténticamente local. los noticieros se hacían a nivel de ciudad, pero a Juan Eugenio se le ocurrió, junto con Fernando Gutiérrez, director de noticias de Nueva Granada, hacer un noticiero nacional, para ello se valió de un radio en ondas corta y larga con el cual sintonizaba desde Bogotá las emisoras de las distintas ciudades de Colombia y tomaba de cada lugar la nota más importante. así nace el primer noticiero nacional en el país.

A raíz de lo anterior, por la rapidez de tomar notas al cambiar las emisoras, Juan Eugenio optó por abreviar el nombre de cada ciudad. Ej.: Cuc. por cúcuta; Med. por Medellín; Barrancú por Barranquilla, para diferenciarla de Barranca, por Barrancabermeja. Luego armaban las noticias y las leían al aire. Fernando Gutiérrez era un bogotano jovial y alegre y molestaba Juan Eugenio por ser barranquillero: lo llamaba barrancú. Cualquier día él decidió hacerle una broma a Fernando y escribió al revés la palabra barrancú quedando ‘Curramba’. Fernando preguntó que cuál región era ‘Curramba’ y Juan Eugenio le explicó la ocurrencia. El asunto resultó mayor: desde ese momento todo lo relacionado con Barranquilla era ‘Curramba’ y quedó el apelativo cariñoso para siempre.